Guido Crepax (Milano, 15 luglio 1933 – Milano, 31 luglio 2003) è stato un fumettista italiano. Ha profondamente influenzato il mondo del fumetto erotico europeo dalla seconda metà del XX secolo. È noto soprattutto per il suo personaggio Valentina, ideato nel 1965 nel contesto degli anni sessanta, caratterizzato dal sofisticato disegno e dalla psichedelica e onirica trama, in genere con una forte dose di erotismo. Le opere di Crepax sono state tradotte in numerosi Paesi, tra i quali Francia, Brasile, Spagna, Germania, Giappone, Stati Uniti, Finlandia e Grecia. Fu sempre caratterizzato da uno stile personalissimo, elegante e ricercato nel segno. Estremamente libero dal punto di vista compositivo, Crepax costruisce ogni tavola in base alle esigenze del momento, ma si può notare il frequente ricorso alla scomposizione delle immagini in vignette più piccole, a volte piccolissime, dettagli minimi (le labbra appena dischiuse, uno sguardo, un telefono che non squilla) per sottolineare uno stato d’animo, per creare un’attesa, per evidenziare un particolare importante.

Biografia
Origini e carriera
Guido Crepax nacque a Milano il 15 luglio 1933. Era figlio di Gilberto Crepax, primo violoncello della Scala, originario di Dolo (in provincia di Venezia) e fratello del discografico Franco Crepax. Si laureò in architettura nel 1958 ma già prima aveva iniziato a occuparsi di grafica pubblicitaria creando poster e copertine per riviste (tra cui la prima copertina originale dell’edizione italiana di Galaxy), libri e LP (compreso il famoso Nel blu dipinto di blu di Domenico Modugno).

Nel 1957 divenne famoso per la sua campagna pubblicitaria della Shell, che ricevette la Palma d’oro per la pubblicità. L’anno dopo cominciò a collaborare con il Tempo Medico, la prima rivista medica italiana, di cui disegnò le copertine fino a metà del 1980. Nel 1963 Crepax entrò nel mondo dei fumetti e due anni più tardi creò il suo più famoso personaggio, Valentina, apparsa inizialmente sulla rivista di fumetti Linus come personaggio secondario di una serie di fantascienza; Valentina è la fidanzata di Philip Rembrant, un critico d’arte che possiede strani poteri ed è noto anche col nome di Neutron. Il primo episodio è La curva di Lesmo (una curva dell’autodromo di Monza) seguito a sua volta da altri trenta raccolti in sette libri. A questi si aggiungono nel tempo altri libri come la Lanterna magica del 1977 e Valentina pirata (il primo interamente a colori).

Disegno per copertina di libretto per L’albergo dei poveri per l’editore Ricordi. Milano, Archivio storico Ricordi.

Disegno per copertina di libretto per La leggenda del ritorno per l’editore Ricordi. Milano, Archivio storico Ricordi.

Disegno per copertina di libretto, disegno per Count Down. Archivio Storico Ricordi

Valentina nasce quindi su Linus e per lungo tempo fu questa la rivista che la farà crescere e conoscere; Valentina avrà la caratteristica piuttosto inconsueta nel mondo del fumetto, di invecchiare, seppur più lentamente del normale. L’uscita di scena della sensualissima ragazza dai capelli a caschetto avviene nel 1995, dopo oltre trent’anni, con la storia Al diavolo Valentina. Le avventure di Valentina sono un miscuglio di temi onirici, fantastico, fantascienza, spionaggio e (successivamente) erotismo. Hanno avuto un grande successo in Italia e all’estero (specialmente in Francia). Neutron viene grandemente surclassato e messo in ombra e perde i suoi superpoteri, pur divenendo il protagonista di un fumetto pubblicato nella rivista Corto Maltese. Ispirato all’Odissea di Omero, verrà considerato uno dei picchi massimi della produzione di Crepax (anche dal punto di vista dei dialoghi, sempre ritenuti elemento debole delle sue storie). Valentina, ispirata all’attrice del cinema muto Louise Brooks e in parte alla moglie di Crepax, Luisa, ha ispirato a sua volta un film del 1973 (Baba Yaga diretto da Corrado Farina con Isabelle de Funès nella parte di Valentina) e nel 1989 una serie di telefilm per la tv, in cui la protagonista era interpretata da Demetra Hampton.

Crepax ha dato vita a molti altri personaggi, in massima parte figure femminili protagoniste di storie dall’erotismo elegante e ricercato. Alcuni personaggi sono frutto della fantasia dell’autore, altri invece nascono dall’adattamento di opere letterarie. Fra le altre eroine di Crepax si possono contare Belinda, Bianca, Anita, Giulietta e Francesca. La prima ad apparire, in ordine di tempo, è Belinda, realizzata nel 1967 e protagonista di due storie. L’anno seguente fa il suo esordio Bianca (1968), protagonista di una serie di avventure brevi (La casa matta, Odessa 1905, Il collegio delle fanciulle, Quadri straordinari ecc) e in seguito anche di una rivisitazione de I viaggi di Gulliver di Jonathan Swift. Di Bianca verranno poi pubblicati altri episodi sulla rivista Il Grifo.

A Bianca segue la bionda Anita (ispirata da Anita Ekberg, protagonista del film La dolce vita di Federico Fellini), protagonista di Anita, una storia impossibile, una impressionante storia onirica in cui ha un rapporto sessuale con la TV e in cui si può leggere una evidente critica all’influenza dei media. I fumetti su Francesca riguardano la vita di una collegiale adolescente, senza alcuna connotazione erotica, e sono apparse sulle pagine di Lupo Alberto Magazine. Per L’Espresso Più crea, negli anni novanta, i personaggi di Giulietta e Romeo che poi riprende per la rivista Comic Art sulla quale pubblica diversi episodi. Il riferimento a Shakespeare non va molto oltre il titolo e il nome dei protagonisti.

Intanto, nel 1976, Crepax realizza Casanova, una trasposizione della vita del celebre libertino nella Venezia del settecento. Il 1978 è la volta di Histoire d’O, dal romanzo di Pauline Réage (pseudonimo della scrittrice Dominique Aury), la storia di una donna che si rende schiava e si presta a qualsiasi pratica erotica per amore. Nel 1979 traspone a fumetti uno dei romanzi più scandalosi del Marchese de Sade (da cui deriva il termine sadismo), Justine o le disavventure della virtù, nel fumetto in due parti Justine. Tra gli altri adattamenti Venere in pelliccia (1984) ispirato all’opera di Leopold von Sacher-Masoch (dal cui nome è stato coniato il termine masochismo) dove Crepax tratta i temi del romanzo in maniera meno allusiva e più cruda. Questi adattamenti sono seguiti da quello di Emmanuelle.

In questi adattamenti Crepax si dimostra più esplicito nella rappresentazione della sessualità di quanto non lo sia nelle storie di Valentina, Bianca e delle altre sue eroine; il tratto è sempre elegante e ricercato ma le storie oltrepassano quell’erotismo, a volte anche molto spinto, tipico dell’autore, per consentirgli di adattare le opere letterarie fedelmente e senza falsi moralismi. Crepax non si è limitato ad adattare a fumetti opere di carattere apertamente erotico, trasponendo anche classici in cui l’erotismo è assente o soltanto suggerito. Si tratta molto spesso di classici della letteratura orrorifica o fantastica.

Con Il duplice delitto della via Morgue, pubblicato nel 1968 su Linus, Crepax si cimenta con la letteratura gotica di Edgar Allan Poe illustrando l’opera dello scrittore statunitense in sette tavole. Sempre per la rivista Linus realizzerà nel 1971 un altro racconto di Poe, Il mistero di Marie Roget. Tornerà infine sull’opera del maestro del gotico molti anni dopo, trasponendo una personalissima interpretazione de La lettera rubata per la rivista Il Grifo. Per Corto Maltese, rivista di fumetto d’autore che si affaccia sul mercato nel 1983, pubblica sin dal primo numero una trasposizione abbastanza fedele del Dracula di Bram Stoker. Crepax pubblica il suo Conte Dracula seguendo le vicende tracciate da Stoker, anche se calca la mano sugli aspetti più sensuali legati alla figura del vampiro.

Con Dr Jekyll e Mr Hide nel 1987 adatta il famoso romanzo di Robert Louis Stevenson; tra l’altro l’autore aveva già realizzato in gioventù una versione della storia (Il Dottor Jekill, realizzata tra il 1945 ed il 1946 insieme ad un’altra storia: L’uomo invisibile) pubblicata solo successivamente nel 1972. Crepax si è cimentato anche con il bellissimo romanzo di Henry James, Giro di vite riuscendo a ricreare l’atmosfera morbosa dello stesso ma rendendo in qualche modo più esplicito quello che nel romanzo viene soltanto lasciato intendere. Giro di vite è stato pubblicato a puntate sulle pagine di una delle ultime riviste di fumetto Il Grifo (a cura di Vincenzo Mollica).

Nel 1999 ha adattato anche Il processo di Franz Kafka rendendo le inquietanti e grottesche atmosfere del romanzo. L’anno seguente è la volta di Salomè, reinterpretato in chiave moderna da un Crepax ormai decisamente orientato verso la rivisitazione di grandi classici. L’ultima delle opere realizzate in questo senso (in realtà l’ultimo fumetto in assoluto pubblicato da Crepax) è ancora una volta un classico della letteratura horror: Frankenstein di Mary Shelley, pubblicato nel 2002 direttamente in volume da Grifo Edizioni. Crepax ha spesso operato riletture e rivisitazioni di vecchi miti come nel già citato caso di Bianca alla quale ha fatto rivivere le avventure di Gulliver nella storia I viaggi di Bianca (pubblicato su alter alter nel 1983) o di Neutron che si è trovato a ripercorrere una sorta di versione moderna dell’Odissea interpretando una specie di Ulisse nella storia Nessuno.

Disegno per copertina di libretto, disegno di Guido Crepax per Il coccodrillo (s.d.)

Ma a questa sorte non sfugge neanche Valentina, che affronterà il suo episodio più scabroso proprio per reinterpretare a modo suo un’opera letteraria, il romanzo di Georges Bataille Storia dell’occhio, nell’avventura Storia di una storia. Non mancano storie libere dell’autore disseminate sulle riviste più varie o su volumi dedicati alla sua opera. Tra le riviste con le quali la collaborazione è stata più intensa vi sono Linus, alter alter e Corto Maltese (sul quale l’autore continuerà a lungo le avventure di Valentina dopo la chiusura delle altre riviste), ma non mancano collaborazioni con numerose altre riviste come i già citati Il Grifo (Il sesto senso, alcuni episodi di Bianca ecc), Comic Art (Becky Lee, La storia immortale, Piccolo grande Bogey, Gradiva ecc), Eureka (alcuni episodi di Anita).

Ne La Calata di Mac Similiano XXXVI, pubblicata su Linus nel 1969, l’autore esprime il suo punto di vista sull’intervento militare americano in Vietnam; nel 1977 realizza L’uomo di Pskov sul tema della rivoluzione russa, seguito un anno dopo da L’uomo di Harlem, sul mondo del jazz a New York, nella collana Un uomo un’avventura edita dalla Sergio Bonelli Editore.

Oltre alla sua di gran lunga più conosciuta attività fumettistica, Crepax era un appassionato progettista di giochi di guerra e collezionista di soldatini di carta, da lui stesso disegnati. Suoi sono stati alcuni dei primi giochi di guerra destinati al grande pubblico pubblicati in Italia:

Morte
Malato da anni di una forma grave di sclerosi multipla, Guido Crepax è morto il 31 luglio 2003, all’età di 70 anni, a causa della patologia neurologica, in seguito a un peggioramento improvviso il mese precedente. Dopo una commemorazione civile, il corpo è stato tumulato senza cerimonia alcuna nella Cripta del Famedio del Cimitero Monumentale di Milano, accanto a Giorgio Gaber.

Edo Murtić nacque il 4 maggio 1921 a Velika Pisanica, nei pressi di Bjelovar, in Croazia (all’epoca parte del Regno dei Serbi, Croati e Sloveni). Era il secondogenito di Vinko e Franciska Murtić. Durante l’infanzia, la famiglia si trasferì a Zagabria, dove Murtić ricevette la sua formazione scolastica. Frequentò la Scuola d’Arte e Mestieri dal 1935 al 1939, studiando con Edo Kovačević, Kamilo Tompa ed Ernest Tomašević. La sua prima esposizione risale al 1935, presso il Liceo Reale di Zagabria.

Nel 1939 si iscrisse all’Accademia di Belle Arti di Zagabria, dove fu allievo di Ljubo Babić e Krsto Hegedušić. Nel 1940 seguì anche i corsi tenuti da Petar Dobrović a Belgrado, per poi fare ritorno a Zagabria nel 1941 e completare gli studi presso l’accademia.

Murtić fu fortemente influenzato dalle idee socialiste e, allo scoppio della Seconda guerra mondiale, si unì al movimento antifascista. Nella primavera del 1944 entrò a far parte delle forze di liberazione, per le quali lavorò alla realizzazione di grafiche, manifesti e pubblicazioni.

Nel dopoguerra, intraprese numerosi viaggi ed esposizioni a livello internazionale. Nel 1951 trascorse un periodo negli Stati Uniti e in Canada, dove entrò in contatto con il movimento dell’espressionismo astratto. Tornato a Zagabria, fu tra i fondatori del gruppo “Mart” nel 1956.

Nel 1958 partecipò a tre dei più importanti eventi mondiali d’arte contemporanea: la Biennale di Venezia, il Premio Carnegie a Pittsburgh e Documenta a Kassel.

Murtić fu sposato con Goranka Vrus Murtić, artista affermata a sua volta. Insieme acquistarono e restaurarono una vecchia casa in pietra nella cittadina istriana di Vrsar, dove trascorrevano gran parte dell’anno, pur mantenendo la residenza principale a Zagabria. A proposito della sua casa estiva e dello studio, Murtić affermò: «Qui è davvero bello, godo di un silenzio e una concentrazione insostituibili… Non so se potrei trovare un luogo più bello al mondo». Il paesaggio di Vrsar ispirò numerose sue opere, in particolare il ciclo “Montraker”, intitolato al vicino sito dell’antica cava romana.

Edo Murtić fu membro dell’Accademia Jugoslava delle Scienze e delle Arti (oggi Accademia Croata delle Scienze e delle Arti) e del Comitato croato di Helsinki per i diritti umani. Fu inoltre nominato cittadino onorario della città di Bjelovar.

È scomparso a Zagabria il 2 gennaio 2005, all’età di 83 anni.

La galleria Marco Codognotto di Udine è lieta di presentare la monografica di Vanni Cuoghi, Tra sogno e (di)segno, con un testo di Arianna Baldoni. In mostra un nucleo di venti opere delle serie dei diorami dal titolo Monolocale e Saluti da, realizzate ad acquerello e china su carta a partire dal 2014 sino a oggi. A queste si affiancano due dipinti su legno sagomato che raffigurano alcune piante officinali, tema trattato da Cuoghi negli ultimi anni di ricerca, esplorando il concetto della Messa in scena della Pittura contestualmente all’ibridazione linguistica del disegno e della scultura, attraverso la tecnica del paper cutting e della sagomatura. La sua pratica prende avvio dal segno di una penna, un bisturi o una lama, per tracciare dapprima il contorno dello spazio e delle figure che poi ritaglia dal supporto cartaceo oppure da tavole lignee. «C’è una strada che la pittura percorre, in cui si relaziona, obbligatoriamente, con la terza dimensione ed è la lingua della scenografia in cui lo spazio viene agito, simulando la vita, attraverso la narrazione», spiega Cuoghi. «Affrancandosi dalla matrice originaria, le forme, le miniature e i ritagli si combinano, creando l’intreccio narrativo che si riflette su piani multipli dipinti. Il linguaggio pittorico si appropria così delle tecniche archetipiche sia della scultura, assumendo connotazioni oggettuali, sia dell’architettura nella definizione dello spazio. Nella serie dei Monolocali – creata in cento esemplari – riverberano atmosfere metafisiche e stranianti, quasi fossero microcosmi di storie silenti, enigmi traslati nel tempo, laddove lo sguardo adombra l’ignoto. Si tratta di narrazioni che si fanno aneddoto sulla potenza illusionistica delle immagini dipinte, disegnate, ritagliate, rifilate. Nel ciclo Saluti da, tra quinte e piani alterni all’interno di piccoli contenitori in plexiglas, prendono forma racconti di eventi passati tra cui due lavori inediti realizzati da Cuoghi in omaggio alla città di Udine», scrive Arianna Baldoni.

Foto: su gentile concessione

Riccardo De Marchi è nato a Mereto di Tomba nel 1964.

Esposizioni personali

1986
Sestante, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.

1994
Riccardo De Marchi. Timpani, Galleria Turchetto/Plurima, Milano.

1995
Opere, Sw Bau, München.

1996
Le Porte Regali (dedicated to Pavel Florenskij), Galleria Plurima, Udine.
Riccardo De Marchi, Graziano Negri, APC Galerie, Köln.

1997
Riccardo De Marchi, Arte Fiera Bologna, Bologna (Galleria Plurima, Udine).

1998
Riccardo De Marchi. Correzione, Maria Cilena Arte Contemporanea, Milano; Galleria Plurima, Udine.
Riccardo De Marchi, Künstlerhaus Palais Thurn und Taxis Bregenz, Bregenz (con Markus Huemer e Ingo Springenschmid).

1999
Riccardo De Marchi. Testi per Nulla, Galleria d’Arte Niccoli, Parma.

2000
Riccardo De Marchi, Arte Fiera Bologna, Bologna (Galleria d’Arte Niccoli, Parma).
Riccardo De Marchi, Galleria Plurima, Udine.
Riccardo De Marchi, Rino Costa Arte Contemporanea, Casale Monferrato.

2002
Incompleto Capovolto, Artcore Gallery, Toronto.

2003
Riccardo De Marchi. One man Show, Art Brussels, Bruxelles (Artcore Gallery, Toronto).
Testi per Nulla, Riva Gallery, New York.

2005
Text, Artcore Gallery, Toronto.

2008
Riccardo De Marchi. Tutti i buchi del mondo, Galleria d’Arte Niccoli, Parma.

2009
Alan Charlton Riccardo De Marchi, Villa Pisani Bonetti, Bagnolo di Lonigo.

2011
Riccardo De Marchi Bruno Querci, Ars Now Seragiotto, Padova.
Riccardo De Marchi. Fori Romani, MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, Roma.

2012
Riccardo De Marchi. Le parti mancanti, A arte Studio Invernizzi, Milano.

2013
Riccardo De Marchi, Galeria del Paseo, Manantiales.

2014
Raum und Licht: Riccardo De Marchi + Francesco Candeloro, Neuer Kunstverein Aschaffenburg, Aschaffenburg.
Riccardo De Marchi. Alfabeto possibile, Casa Cavazzini Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Udine, Udine.

2017
Riccardo De Marchi. 2777, E3 Arte Contemporanea, Brescia.

2019
Riccardo De Marchi. Àllai opaì (altri buchi), A arte Invernizzi, Milano.

Esposizioni collettive (selezione)

1985
70a mostra collettiva Bevilacqua La Masa, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.

1986
Bevilacqua La Masa. Linea diretta – Palazzo Forti, Palazzo Forti, Verona.

1987
Under 35, Arte Fiera Bologna, Bologna.

1989
Avanguardia accademica, Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Trento.

1991
Artisti in Palazzo Carminati, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.

1992
Corale, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.

1993
Deterritoriale nell’ambito della XLV Esposizione Internazionale d’Arte La Biennale di Venezia, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.
Latina olim palus, Palazzo della Cultura, Latina.

1995
Revoltella Estate, Museo Revoltella, Trieste.

1996
Nuove contaminazioni: architettura, arte, design, fotografia, museo, città, territorio, Casa Cavazzini Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Udine; Chiesa di San Francesco, Udine.

1997
Die andere Richtung der Kunst Abstrakte Kunst italiens ’60-’90. L’altra linea dell’arte. Arte astratta italiana 1960-1990, DuMontkunsthalle, Köln.

1998
Insieme oltre una linea d’ombra, Galleria Fumagalli, Bergamo.
Meteore. Monocromi di fine Millennio, Galleria The Box, Torino.
Periscopio 1998. Rassegna di giovani artisti, Cascina Roma, San Donato Milanese; Cascina Grande, Rozzano.
IX Biennale Internazionale di Scultura Città di Carrara. Scultura/Architettura/Città, Carrara.

1999
Bel tempo / Fine Weather (Artists from Northern Italy), Ludwig Múzeum, Budapest.
Wim Wenders e due generazioni, Galleria Contemporaneo, Mestre-Venezia.

2000
Sulla pittura. Artisti italiani sotto i 40 anni, Palazzo Sarcinelli, Conegliano.
XL Premio Suzzara 2000. Contaminazioni tra linguaggi e tecniche, Galleria Civica d’Arte Contemporanea, Suzzara.

2001
Hicetnunc: rassegna di arte contemporanea, Villa Manin Centro d’Arte Contemporanea, Passariano di Codroipo.
Materia Niente. Dal silenzio della materia al niente del monocromo, Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia.
La natura, l’arte, la meraviglia, Museo di Storia Naturale, Verona.

2002
Paraxo 2002. IX Rassegna Biennale d’Arte Contemporanea, Borgo Colla Micheri; CCP Centro Culturale Paraxo, Alassio; Castello Medievale Paraxo, Chiesa dei SS. Giacomo e Filippo, Andora.
Nuovi Scultori Italiani. Riccardo De Marchi, Arcangelo Sassolino, Giuliano Dal Molin, Brolo Centro d’Arte e Cultura, Mogliano Veneto.

2004
Hicetnunc: rassegna di arte contemporanea, Chiesa di Santa Maria dei Battuti, San Vito al Tagliamento.

2005
Orange. Wallpapers and other objects, Galica Arte Contemporanea, Milano.
Per esempio. Arte Contemporanea Italiana dalla Collezione UniCredit, MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto.

2006
C4 index n°0, C4 – Centro Cultura del Contemporaneo Caldogno, Caldogno.

2007
Dimensioni e territorio variabili: forme della scultura. Rassegna d’arte Palinsesti Arte Contemporanea San Vito al Tagliamento, San Vito al Tagliamento.

2009
Temi & Variazioni. Dalla grafia all’azzeramento, Peggy Guggenheim Collection, Venezia.
In-finitum, Palazzo Fortuny, Venezia.

2010
Arte Natura Poesia. Interventi a Morterone, Palazzo Municipale, Morterone.
Apertura al pubblico dei nuovi spazi del MACRO, MACRO Museo d’Arte Contemporanea Roma, Roma.

2011
In Parallelo. Una mostra. Tre luoghi, A arte Studio Invernizzi, Milano; MiArt, Milano (A arte Studio Invernizzi, Milano); Art Brussels, Bruxelles (A arte Studio Invernizzi, Milano).
Temi & Variazioni. Scrittura e Spazio, Peggy Guggenheim Collection, Venezia.
Percorsi riscoperti dell’arte italiana nella VAF Stiftung 1947-2010, MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto.
Tra. Edge of Becoming, Palazzo Fortuny, Venezia.

2012
Immagine della Luce. Artisti della contemporaneità internazionale per Villa Clerici, Galleria d’Arte Sacra dei Contemporanei di Villa Clerici, Milano.
La magnifica ossessione, MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, Rovereto.
Genesi del fare, A arte Studio Invernizzi, Milano.

2014
L’occhio musicale, A arte Invernizzi, Milano.
Morterone: una soglia poetica. Natura Arte Poesia, Palazzo delle Paure, Lecco.

2015
Arte Fiera Bologna, Bologna (A arte Invernizzi, Milano).
MiArt, Milano (A arte Invernizzi, Milano).
Art Cologne, Köln (A arte Invernizzi, Milano).
PROPORTIO, Palazzo Fortuny, Venezia.
“Formae”. Bonum, Pulchrum, Verum, Monastero di Astino, Bergamo.
“Amore e scelta”. Opere della collezione Fondazione Pablo Atchugarry da Joaquìn Torres Garcìa a Getulio Alviani, Abbazia di Rosazzo, Manzano.

2016
The Sharper Perception: Dynamic Art, Optical and beyond, GR Gallery, New York.
Arte Fiera Bologna, Bologna (A arte Invernizzi, Milano).
Hello Again: A Survey on Contemporary Sculpture, Alison Milne Gallery, Toronto.
L’Occhio Cinematico. Arti Visive e Cinema oltre la soglia del Visibile, A arte Invernizzi, Milano.
MiArt, Milano (A arte Invernizzi, Milano).
Art Cologne, Köln (A arte Invernizzi, Milano).
Da vicino. “In ascolto dell’inudibile risuono dell’opera”, A arte Invernizzi, Milano.

2017
MiArt, Milano (A arte Invernizzi, Milano).
Art Cologne, Köln (A arte Invernizzi, Milano).
Vértigo au rendez-vous des amis, Fundación Pablo Atchugarry, El Chorro, Maldonado (con Arcangelo Sassolino e Francesco Candeloro).

2018
MiArt, Milano (A arte Invernizzi, Milano).
L’Occhio Filosofico, A arte Invernizzi, Milano.
W.W.W. What Walls Want, Marignana Arte, Venezia.
Code and Sign, E3 Arte Contemporanea, Brescia.
Tension and Dynamism. Atchugarry, De Marchi, Lescher, Maggi, Pinto, Sassolino, Vázquez, Piero Atchugarry Gallery, Miami.

2019
Art Genève, Genève (A arte Invernizzi, Milano).
MiArt, Milano (A arte Invernizzi, Milano).
Colloquium. Günter Umberg e l’arte italiana, A arte Invernizzi, Milano.
UNTIL. Riccardo De Marchi, Marco Gastini, Franco Guerzoni, Marco Tirelli, MARCOROSSI artecontemporanea, Milano.
Carlo Invernizzi and His Poetic World, Neuer Kunstverein Aschaffenburg, Aschaffenburg.

2020
PLURIMA. Galleria d’arte Udine/Milano 1973-2012, Galleria Regionale d’Arte Contemporanea Luigi Spazzapan, Gradisca d’Isonzo.
Carlo Invernizzi. Dove sorge il canto gli uccelli non volano, Fondazione Ado Furlan, Pordenone.
Sul margine, A arte Invernizzi, Milano.

2021
Morterone. Natura Arte Poesia, Casa dell’Arte, Morterone.
Spazi sensibili. Philippe Decrauzat Riccardo De Marchi Martina Klein Arcangelo Sassolino, A arte Invernizzi, Milano.

2022
L’occhio critico, A arte Invernizzi, Milano.

Santiago del Cile, 1942

Carmen Gloria Morales nasce nel 1942 a Santiago del Cile, è in Italia dal 1953. Ha vissuto a Milano, a Roma e di nuovo a Milano, con lunghe parentesi a Londra e a New York; dal 1969 al 1989 ha insegnato discipline pittoriche nei licei artistici delle due città italiane. La sua prima personale risale al 1965, a Roma. Nel 1973 è presente alla X Quadriennale di Roma e al Museum of Philadelphia Civic Center.

La produzione degli anni Settanta trova espressione nella serie dei Dittici, costituiti da due tele accostate, una interamente dipinta e l’altra lasciata allo stato grezzo. Dalla metà degli anni Ottanta ha dato inizio alla serie dei Tondi e ai Progetti di pale, opere nelle quali sono sempre più evidenti l’uso di un acceso cromatismo e l’interesse per il valore materico della pittura.

Nel 1977 è invitata a Documenta 6 di Kassel. Negli anni Settanta partecipa alle principali rassegne sulla Pittura analitica e sulla Nuova Pittura tra cui Un futuro possibile. Nuova Pittura, Palazzo dei Diamanti, Ferrara (1973); Bilder ohne Bilder, Rheinisches Landesmuseum, Bonn (1977) e Abstraction Analytique.

Fractures du monochrome au-jourd’hui en Europe, ARC 2 – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1978). Sono inoltre da ricordare: Geplante Malerei, Westfälischer Kunstverein, Münster (1974), Radical painting, Williams College Museum of Art, Williamstown, MA (1984), Fundamental painting, Artline Galerie, Den Haag, Kunstverein, Arnsberg (1988), Abstrakt, Der Deutsche Künstlerbund in Dresden 1993, Militärhistorisches Museum, Dresden (1993), New York Abstract, CAC, New Orleans (1995), Le soglie della pittura. Francia Italia 1968 – 1998, Rocca Paolina, Perugia (1999), Unique Act, Dublin City Gallery The Hugh Lane, Dublin (2008). Attualmente vive e lavora a Sermugnano in provincia di Viterbo.

Rotondi, 1948

Foto: su gentile concessione

Dopo gli studi di pittura all’Accademia di Belle Arti di Napoli è attratto dal panorama artistico e culturale torinese che negli anni Settanta rappresenta il centro dell’avanguardia artistica italiana e nel 1973 vi si trasferisce.

I primi lavori, tra il 1972 ed il 1976, indagano il corpo e il gesto.

Nelle prime esposizioni performances, presenta calchi del proprio corpo in gesso che lascia consumare nell’acqua (Cavriago 1977) o fa precipitare dall’alto al suolo (La performance, Galleria Civica d’Arte Moderna, Bologna 1977).

Questo è anche il periodo in cui si riappropria dell’aspetto teorico della scultura attraverso una serie di disegni accompagnati da scritti (MDLXIV 1976).

Tra il 1979 e il 1980 completa La Campana (Gall. Tucci Russo, Torino 1981 e La Sovrana Inattualità, P.A.C., Milano 1982).

Nel decennio che segue si impone con le sue grandi terrecotte, opere contenenti paesaggi e soggetti di ispirazione fiabesca, come Nascita di Orco ed Elefantessa del 1980. Partecipa alla Biennale di San Paolo del Brasile, 1981.

Con Alle forche Caudine 1981, partecipa alla XL Biennale di Venezia e a Documenta 7 Kassel, nel 1982. Con Le Bbasi del cielo 1981-82, partecipa alla XII Biennale de Paris, 1982.

Con il bronzo Trionfo (Elefantessa) 1982, alla Biennale di Venezia 1986.

Negli anni che seguono si propone con Tufi, 1981-85 (Ouverture, Rivoli 1984 e Tour Fromage, Aosta, 1987) e Arcipelago 1983-85, Castel Ivano, Trento 1987 e Icons of Postmodernism (Holly Solomon Gallery New York, 1986).

Nel 1987 vince il Superior Prixe al 5th Henry Moore G.P. in Giappone con il bronzo Città Gigante 1986. Nel 1990 ha una sala personale alla Biennale di Venezia con Sole Nero, 1988-89.

Negli anni succesivi personali e retrospettive: 1992 Galleria d’Arte Contemporanea, Rimini, catalogo F. Gualdoni, Ed. Essegi, Ravenna. 1994, Villa delle Rose, Galleria Civica d’Arte Moderna, Bologna e Galerie Hlavniho Mèsta Prahy, Praga in catalogo. R. Barilli, P.G. Castagnoli. 1995, Hotel de Galiffet, Paris, in catalogo F. Poli Ed. Di Meo. 1995, Promotrice di Belle Arti , GAM Torino in catalogo P.G. Castagnoli, R. Fuchs, R. Passoni, A. Pohlen, Rcs Libri e Grandi Opere Milano.1996-97 Museo Civico di Castelnuovo, Maschio Angioino e Museo Diego Aragona Pignatelli Cortes, Napoli, in catalogo R. Fuchs, A. Tecce. Umberto Allemandi Editore.

Negli anni Novanta continua la ricerca attraverso forme già presenti da tempo nel suo lavoro ma anche nuove come Tamburo del Sole 1995-97. Gabbie 1997. Vestiti e Colonne di Maggio 1999, che proseguono la sua ricerca sul corpo, la pelle.

Nel 2001 l’artista è scelto come rappresentante dell’Italia per uno scambio tra il nostro paese e il Giappone. Approda al Museo d’Arte Contemporanea di Sapporo dove realizza per il parco Mainolfi swims in the water of Hokkaydo e Colonne di Sapporo.

Ancora grandi opere permanenti: nel 2002 Ballerine in marmo al Parco della Padula a Carrara; nel 2004 Il sole del Buon vento a Benevento; nel 2005 Sole Scarabocchio a Brunico (BZ); nel 2006 Città e Sole a Rovereto.

Nel 2007 espone il Sole alluminio al museo di Ravensburg, (Germania) e nello stesso anno vince il Premio Michelangelo per la scultura.

Nel 2007-2008 realizza Silontes; nel 2009 espone a Parigi (Galerie Di Meo) Spheres 2000-2008. Nel 2010 illustra l’Odissea di Omero per Einaudi editore e presenta Arpie, sfere, dune ed altre al Centro di Arti Plastiche, eventi paralleli XIV Biennale di Carrara. In occasione dei festeggiamenti per i 150 anni dell’Unità d’Italia realizza a Palazzo Madama a Torino nel 2011 una grande installazione dal titolo Torino che guarda il mare.

Nel 2012 illustra l’Iliade di Omero per Einaudi editore e realizza Per quelli che volano alla Fattoria di Celle, Santomato di Pistoia ed alla Fondazione Maeght di Saint Paul de Vence in Francia.

Nel 2014 Pelle della terra retrospettiva al Filatoio di Caraglio (CN), l’anno successivo istalla Senza titolo (Esploso), 1978 al Museo Madre di Napoli.

Nel 2016 l’Università di Bologna gli conferisce il premio Alinovi-Daolio.

Nell’anno successivo realizza Terre Nove tra le opere della personale al museo Casa Fiat de Cultura di Belo Horizonte in Brasile.

Nel 2018 la personale dal titolo La nuit et la féte alla Galerie Italienne di Parigi.

Nello stesso anno realizza Bestiario del firmamento per la collezione di sipari d’artista del teatro Obi Hall di Firenze.

Brescia, 24 gennaio 1954

Foto: su gentile concessione Mattotti Lorenzo

Figlio di un ufficiale dell’esercito, trascorre la sua infanzia spostandosi di città in città, a causa dei trasferimenti del padre. Dopo gli studi frequenta la facoltà di Architettura dell’Università di Venezia.

Pubblica i suoi primi fumetti nel 1975, sulle testate francesi Biblipop e Circus. In Italia il suo esordio avviene lo stesso anno sulla rivista comasca di controcultura King Kong. Pubblica poi su Re Nudo e sul mensile di musica Gong. Nel 1977 l’editore Ottaviano gli commissiona le copertine di “Italia Alternativa 2” e “Europa Alternativa” e dà alle stampe il suo primo libro, Alice Brum Brum, su testi di Ostani. A questo fa seguito, l’anno dopo, Le avventure di Huckleberry Finn, con testi di Antonio Tettamanti. Nello stesso periodo alcune sue brevi storie trovano spazio sulle pagine di Lotta Continua e nel suo inserto di satira L’avventurista. Nel febbraio 1978 con Jacopo Fo crea la rivista underground Macondolore Macondolcezza, per protestare contro la chiusura, da parte della polizia, del locale alternativo milanese Macondo. Realizza, poi, con Tettamanti alcune brevi storie urbane per il settimanale milanese di annunci Secondamano, raccolte nel 1979 da L’Isola Trovata nel volume Tram Tram Rock. Lo stesso anno collabora con la rivista di satira Canecaldo e pubblica Incidenti su Linus.

Nel 1983, a Bologna, si unisce a un gruppo di disegnatori bolognesi quali Igort, Daniele Brolli, Giorgio Carpinteri creando il gruppo Valvoline, con cui gestiscono il supplemento della rivista Alter Alter, la stessa con cui, nel 1981, sotto la direzione di Oreste del Buono, aveva pubblicato il suo primo lavoro, Incidenti. Sul supplemento, Mattotti pubblica alcuni suoi lavori: Il Signor Spartaco (1982), Doctor Nefasto e Fuochi, considerato ancora oggi la sua opera migliore. Vi si trova infatti già traccia del suo stile essenziale ma estremamente evocativo, che trae ispirazione dalle tavole di José Muñoz e Carlos Sampayo.

Nel 1988 per la parigina Albin Michel esce Labirinti, pubblicato in Italia da Hazard Edizioni nel 1997. Nel 1990 illustra Pinocchio in Francia, sempre per l’editore Albin Michel Jeunesse, pubblicato in Italia da Rizzoli nel dicembre del 1991, ma con un taglio orizzontale; le illustrazioni sono riprese nell’edizione del romanzo di Collodi apparsa nella collana I millenni di Einaudi nel 2008. Nel 2012 Mattotti torna sul tema: realizza nuovi disegni, inserendo scenari paesaggistici, per il film d’animazione Pinocchio di Enzo D’Alò. Nel 2019 l’editore Bompiani pubblica un’edizione patinata de Le avventure di Pinocchio. Carlo Collodi visto da Lorenzo Mattotti che ingloba anche i disegni e gli studi originali composti per il film.[1]

Nel 1992, su testi di Lilia Ambrosi, pubblica L’uomo alla finestra (Feltrinelli).

Mattotti lavora anche per alcune riviste, cui fornisce illustrazioni e copertine, tra queste ricordiamo The New Yorker, Glamour, Vanity Fair, Cosmopolitan e Le Monde. Le illustrazioni per quest’ultima rivista sono state raccolte, da Nuages, in un portfolio pubblicato nel 1998 (Mattotti pour Le Monde), quelle per il New Yorker lo saranno da #logosedizioni nel 2018 (Covers for The New Yorker), ed esposte lo stesso anno in una mostra all’Istituto Italiano di Cultura di New York.[2]

Nel 1997 Vince lo Yellow Kid come miglior illustratore all’Expocartoon di Roma.

Nel 1998 si trasferisce a Parigi, città in cui attualmente risiede, dove collabora alla realizzazione di manifesti per la promozione culturale della città. Lo stesso anno vince il premio Inkpot come miglior autore di fumetti all’International ComiCon di San Diego.[3]

Nel 1999 nasce Stigmate: una storia scritta a quattro mani con lo scrittore Claudio Piersanti in cui Mattotti fa un sapiente uso del bianco e nero per narrare una vicenda tragica e toccante.[4] Originariamente pubblicato in Francia da Seuil, in Italia viene ripreso e pubblicato da Einaudi (e successivamente ripubblicato da #logosedizioni). Nello stesso anno, per Nuages, illustra la prima cantica della Divina Commedia, l’Inferno.

Parallelamente all’editoria, Mattotti lavora anche nel campo della pubblicità, creando disegni e bozzetti per alcune marche famose.

Nel 2000 disegna il manifesto ufficiale del Festival di Cannes.

Nel 2002 esce per Einaudi Jekyll & Hyde, un adattamento del romanzo di Stevenson su testi di Jerry Kramsky.

Nel 2003 pubblica La Stanza per Coconino Press e Il Rumore della Brina, con testi di Jorge Zentner, per Einaudi. Lo stesso anno dà il via con l’amico Jerry Kramsky alla saga dei Pittipotti, una serie di libri per bambini che vede finora pubblicati quattro volumi, tutti per l’editore Orecchio Acerbo: L’isola dei Pittipotti (2003), Alla ricerca dei Pittipotti (2003), La scomparsa dei Pittipotti (2004) e I Pittipotti e la tartarugosa (2004).

Nel 2006 il regista Renato Chiocca gli dedica un film documentario, Mattotti, in concorso a Les Rencontres du Cinéma Italien de Grenoble, in cui insieme a testimonianze dirette di amici e collaboratori come Claudio Piersanti, Jerry Kramsky e Art Spiegelman, si entra in silenzio nel suo atelier parigino.

Nel 2010, sotto la direzione artistica di Alessandro Mendini, realizza diverse copertine per la rivista Domus, raffiguranti “ciascuna una personalità che nel corso del tempo si sia profilata nel campo dell’architettura, delle arti o del design come autore di utopie, immaginarie o realizzate, che hanno contribuito all’evoluzione della cultura del progetto”.[5]

Nel 2011 pubblica per Fantagraphics The Raven, in cui illustra i testi dell’omonimo album musicale di Lou Reed ispirato a Edgar Allan Poe.

Su testi di Jorge Zentner realizza Caboto, opera sul famoso cosmografo veneziano.

Nel 2009 inizia la sua collaborazione con la casa editrice modenese #logosedizioni, con cui pubblica La stanza (2010), Chambres/Rooms/Stanze (2010, in collaborazione con la parigina Galerie Martel), Venezia. Scavando nell’acqua (2011), e il visionario volume in bianco e nero Oltremai (2013), le cui tavole originali sono protagoniste di una mostra monografica presso la Pinacoteca Nazionale di Bologna dal febbraio all’aprile del 2013.

Proprio con #logosedizioni, nel 2012 inaugura la collana “Works”, una pubblicazione sistematica dei suoi lavori, il cui primo volume è dedicato alle sue illustrazioni a pastello (Pastels/Pastelli, 2012, vincitore nel 2013 del Grand Prix al Festival de la BD de Sollies-Villes),[6] mentre il secondo ai disegni di moda (Moda/Fashion, 2014), e dà il via nel 2018, con L’uomo alla finestra, alla ripubblicazione dei suoi fumetti.

Realizza infine nel 2014 il volume illustrato Vietnam per la collana “Travel Book” di Louis Vuitton.

Nel marzo 2017 esce in Italia e in Francia il suo nuovo romanzo grafico Ghirlanda con i testi del sodale Jerry Kramsky (#logosedizioni), “un ritorno alla dimensione primigenia dell’infanzia, della fiaba, della parabola […] perfetto incrocio tra fumetto popolare e fumetto d’autore, tra favola e poesia, tra innocenza e consapevolezza”.[7] Vincitore del Premio Gran Guinigi 2017 come miglior graphic novel,[8] è un voluto omaggio all’ingenuità dei Mumin di Tove Jansson e dei comics liberi e onirici di Jean Giraud / Moebius; un lavoro in cui si mescolano, evolvendo, lo stile in bianco e nero a pennino dei taccuini di Linea Fragile e gli arditi esperimenti prospettici e visionari dei paesaggi di Oltremai.

Lorenzo Mattotti ha ricoperto il ruolo di Magister nell’edizione 2018 del Napoli Comicon[9].

nato a Messina il 12/03/1974

Foto: su gentile concessione

Mauro Gentile
nato a Messina il 12/03/1974,
vive non distante da un fiume in Friuli e lavora come libero professionista non distante da un fiume in
Veneto.
Laureato presso l’Istituto Universitario di Architettura di Venezia, dove ha svolto attività didattica nei
laboratori di Progettazione Architettonica, di tesi come correlatore e di tutor nelle accademie estive in
Venezia organizzate dall’Università di Dortmund.
Si occupa di pittura, installazioni ambientali e scenografia con opere esposte, premiate e pubblicate in
diverse rassegne e manifestazioni italiane ed estere.
Dal 2005 entra nel circuito della Mail Art, partecipando a numerosi progetti in Italia ed in Europa.
Dal 2010 al 2015, è stato cofondatore e Presidente dell’associazione culturale Rizoo (www.rizoo.it )con
sede a Portogruaro.
Nel 2014-2015 ha fatto parte del comitato di supporto all’Assessorato alla Cultura del Comune di
Portogruaro per la programmazione delle attività espositive per la Galleria di Arte Contemporanea “ai
Molini”, progettando ed allestendo in particolare la mostra “polvere di speranza” dedicata alla scultrice
Dolores Previtali e la mostra “materia E’ spirito” dedicata al maestro Giorgio Celiberti di cui ha curato con
la Dott.ssa Eliana Bevilacqua l’allestimento di mostre personali a Como, Cassino, Trieste e Udine.
Nel 2014 il suo interesse si volge al disegno su fogli di carta riciclata che egli stesso produce. Il disegno,
visto come estrema sintesi della ricerca pittorica costruita nel tempo, diventa un appunto costante delle
riflessioni sull’aspetto psicologico e sociologico dell’essere umano contemporaneo, costituendo il tema di
fondo del ciclo di lavori intitolati “Atlas”. Sull’approfondimento di tematiche analoghe, la costruzione dei
cicli scultorei intitolati “Polis” e “Metro” cominciati nel 2018.
Selezione mostre:

2024 “Fluxjudri”, collettiva, Villa Nachini Cabassi, Corno di Rosazzo(UD)
2023 “Di diverso parere” personale, Palazzo Veneziano, Malborghetto (UD)
2022 “SEARTH”, collettiva, casa della musica di Grado (GO)
2022 “memore”, personale, promossa da AIDIA, mercato coperto di Trieste
2022 “Arte tra le calli” collettiva promossa dall’Associazione[A], Marano Lagunare (UD)
2022 “Aspetti dell’arte presente” collettiva, Casa dei Carraresi, Treviso
2021 “Pomerium” iniziativa collaterale patrocinata dalla XVII Biennale di Architettura
2020 “Logos” personale, Ospedale dei Battuti, San Vito al Tagliamento (PN)
2019 “Archivio di Forme”, personale, Fondazione Auxilia, Cividale del Friuli (UD)
2019 “Libri di versi #11”, collettiva, museo archeologico Concordiese, Portogruaro (VE)
2019 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva ad Helsinki;
2018 “Orchestrazioni n°26”, collettiva, Portogruaro (VE);
2018 “Libri di versi #10”, collettiva, museo archeologico Concordiese, Portogruaro (VE)
2018 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Mostar;
2017 ”ACCUMULI”, mostra personale, promosso da PuntoArteBenandante,evento n°62, Portogruaro (VE);
2017 ”I GIORNI DELLA CARTA”, mostra personale e residenza d’artista, Portopiccolo, Sistiana (TS);
2017 due lavori del ciclo “ATLAS” inseriti nella collezione della holding di Marzotto spa;
2017 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Stoccolma;
2017 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Budapest;
2016 due lavori del ciclo “ATLAS” vengono pubblicati sul catalogo ARTE Mondadori n°52;
2016 due lavori selezionati e presentati alla fiera dell’arte di Istanbul e Padova (lavoro citato nell’articolo dal blog Collezione da Tiffany);
2016 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Buenos Aires;
2016 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Parigi;
2016 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Stoccarda;
2016 promossa da Istituto Italiano di Cultura, partecipazione ad una collettiva a Tivoli;
2015 promossa da Istituto Italiano di Cultura, collettiva ad Helsinki e Stoccolma;
2015 ”INCONTRI”, collettiva, castello di Ragogna (UD);
2013 ”dissidentici”, con P. Febbo, G. Glerean, E. Ramon, Museo della Castellina,Pramaggiore (VE);
2013 ”noto e ignoto”, con Pierpaolo Febbo, Studio Arkema, Portogruaro (VE);
2013 ”io, l’altro”, collettiva, Studio Arkema, Portogruaro (VE);
2013 Personale, Biblioteca comunale Fogliano Redipuglia (GO);
2012 “Orchestrazioni n°20”,collettiva, Portogruaro (VE);
2012 “IN RETE”evento Gruppo Sintesi, collettiva, FUORISALONE del Mobile, Milano, Spilimbergo(PN);
2012 “Libri di versi #4”, collettiva, Portogruaro (VE), Concordia Sagittaria (VE);
2011 “Orchestrazioni n°19”,collettiva, Portogruaro (VE);
2011 “World Pavilion DentroFuoriBiennale”, evento collaterale della Biennale di Venezia;
2011 “Libri di versi #3”, collettiva, Portogruaro (VE), Cormons (GO);
2011 “AQUAMATER”,collettiva,Villa Mocenigo di Alvisopoli di Fossalta di Portogruaro (VE);
2011 “Frammenti di Memoria”, collettiva, rocca Sforzesca di Bagnara di Romagna (RA);
2010 “Fluxus garage”, collettiva, Mestre (VE);
2010 “Orchestrazioni n°18”,collettiva, Portogruaro (VE);
2010 “Libri di versi #2”, collettiva,Portogruaro (VE),Alvisopoli (VE),Cormons (GO),Codroipo (PN);
2010 “Limite, scambio e segno”, collettiva, progetto di mail art, Portogruaro (VE);
2010 “Artbahnkreuz 2”, collettiva, Museo minimo, Napoli;
2009 “Lavori in corso d’opera”, collettiva, Massa Lombarda (RA);
2009 “World Pavilion DentroFuoriBiennale”,evento collaterale della Biennale di Venezia;
2009 “Futurfuturismi”, collettiva, Museo minimo, Napoli;
2009 “1000 artisti a Palazzo”, collettiva, World Museum, Cesano Maderno (MB)
2005 ”WAT#3 quei tanti me – in quei tanti me”, mostra personale con le poesie di Roberto Ferrari costruite sulle impressioni date dai dipinti, Woodstock Art Tunnel, Portogruaro (VE).

un artista di perimetro
Il disegno è solo uno dei linguaggi utilizzati da Mauro Gentile, cresciuto e formatosi come architetto. Gentile è autore anche di
dipinti, d’installazioni e di scenografie teatrali (vincitore del premio FITA nel 2015). Si avvicina al mondo dell’arte negli anni degli
studi universitari presso la Facoltà di Architettura di Venezia per obbedire a un talento frutto di studio, di sensibilità, di
intelligenza. Questa cosciente ostinazione è una delle ragioni della sua tesa serenità ma anche della sua solitudine. Porta
un’idea di arte entro cui trasmettere una forma di esistenza, i suoi e i nostri umori, il senso delle giornate. È una progressione
nella ricerca con castità di mezzi, la ricerca delle proprie radici, dell’essenza del proprio essere, forse la chiave della sua
maturità.
Risale al 2013 l’utilizzo in maniera quasi esclusiva di una carta riciclata autoprodotta come supporto per la realizzazione di una
serie di lavori solitari e puntigliosi, fatti di migliaia di minuscoli segni o righe, ora organizzati secondo andamenti geometrici, ora
lasciati al flusso delle sensazioni e all’apparente vagare della mano. Quella sua carta è un elemento focalizzante, nell’attuale
fase creativa. Fogli di abbacinante candore lasciano intuire misteriose presenze umane, ma anche singolari apparizioni che
riempiono il silenzio, raggiungendo un sofisticato effetto d’astrazione caratterizzato da una ricerca emotiva e intellettuale.
Piuttosto che rappresentazioni sono metafore del reale, del vissuto, che si contraggono e si espandono assecondando la forma
del supporto da cui nascono.
Una scrittura di emotività spesso altrui, da comunicare con una mano leggera, evanescente e raffinata. “…la carta…” dice
Gentile ”…viene dal recupero di ritagli di altra carta bianca che scarto quando svolgo il mio mestiere di architetto. Viene messa a
macerare per qualche giorno, ridotta in poltiglia, stesa su una tela bagnata e battuta con una stecca. Da qui nasce la grana del
materiale, ruvida e ombrosa da un lato, liscia e morbida al tatto dall’altro. “Solitamente” prosegue Gentile “non riquadro i fogli,
lasciando che la forma si manifesti liberamente. Questa operazione genera da sola un contesto nuovo, diventando già un primo
aiuto alla composizione a cui lavorerò utilizzando un pigmento che garantisce l’inalterabilità del nero nel tempo e del colore a
olio molto denso che penetra nella carta creando un effetto cupo e opaco.”
I lavori sono le pagine di una sorta di diario di impressioni personali talmente introspettive da diventare quasi estranee. Una
necessità personale a cui l’artista dedica il tempo necessario alla costruzione di un rituale proprio, diventando così non tanto la
memoria narrata di ciò che è accaduto quanto una possibile visualizzazione dell’accadimento stesso. Nei lavori resta l’interesse
per le inquadrature in primo piano e l’attenzione per i dettagli come resta pure l’impianto narrativo di una storia di rimando
suggerita da ogni opera, che è misteriosa ed enigmatica, esito di una lunga ricerca che tenta l’esplorazione di territori ignoti ma
percepibili. “Mi interessano le cose che non si vedono, che aleggiano a livello subcosciente. Il viaggio in Terra Santa nel 2010
mi ha portato a considerare l’essere umano come un elemento centrale, con la sua forza, con le sue debolezze derivanti talvolta
dal peso che grava sull’essere umano frutto di condizioni di sofferenza interiore. Da questi pensieri è nata la metafora di
Atlas…”
Ricollegandosi al mito di Atlante che, secondo il poeta Esiodo, Zeus costrinse a tenere sulle spalle l’intera volta celeste, Gentile
disegna delle figure umane essenziali di grafia quasi infantile, considerati come piccoli eroi della quotidianità. “Molti sono più o
meno consapevolmente i ritratti delle persone che ho conosciuto o che conosco… Ricordo i loro racconti, le difficoltà che hanno
incontrato nella vita e come hanno reagito a questo carico talvolta immane… Da un lato c’è la carta che genera il contesto
dell’azione, dall’altro il ricordo di una esperienza altrui. Spesso gli Atlas reggono strane architetture composte di altri individui in
una mia forma di struttura della società. Talvolta le forme congelano l’immagine in una fase del crollo, rappresentante per me la
crisi di valori di cui quella struttura porta i segni…”
“…la nostra storia è un processo di stratificazione che costituisce ogni forma di civiltà… Noi stessi siamo una stratificazione di
accadimenti, il risultato di ogni singola quotidiana esperienza…”

Grafica, semiotica e desiderio di superare i limiti della realtà ma anche poesia sensibile e visiva sono gli elementi costitutivi delle
opere. Attratto da ciò che è, come dice, “…inconoscibile…” lo conforta un metodo esecutivo molto rigoroso. Le forme sono
oltrepassate da qualcosa d’infinito nascendo dall’organizzazione di un vuoto sempre diverso.
Si muove consapevole tra il silenzio e la presenza.
Eliana Bevilacqua

Ronchi dei Legionari (Gorizia) 1946

Foto: su gentile concessione

Sergio Scabar nasce a Ronchi dei Legionari (Gorizia) nel 1946, dove vive e lavora. Comincia ad interessarsi alla fotografia nel 1964. Dal 1966 al 1974 partecipa saltuariamente a concorsi nazionali ed internazionali utilizzando la fotografia soprattutto con finalità di racconto e reportage.

Successivamente, negli anni ’80, il suo lavoro prende una svolta sostanziale, la figura umana esce dai suoi lavori ed il suo interesse si concentra sulla natura, sublimando l’aspetto materiale e concettuale. Col lavoro “Il Teatro delle cose” nel 1996, inizia una stampa alchemica ai sali d’argento “unico esemplare”.

Il metodo di lavoro artigianale emerge maggiormente rispetto alle opere precedenti: c’è il contatto con i materiali, il riappropriarsi dei metodi, della meticolosità e dei tempi, la particolare taratura sui toni bassi, con l’uso dei rapporti chimici e sensoriali, uniti nella ricerca dell’essenza della creatività. Nel 2003 riceve dal C.R.A.F.

il premio “Friuli Venezia Giulia Fotografia”, nel 2008 ha pubblicato per Marte Edizioni il Volume “Silenzio di Luce”, nel 2010 il volume “Cidinors” edito da Associazione Cultural Colonos.

Milano, 2 ottobre 1930 – Milano, 13 aprile 2004

Immagine e Testi: wikipedia

Laureatasi in Farmacia, scoprì tardi la sua vocazione per l’arte. Verso la fine degli anni cinquanta si affiancò ai giovani artisti che seguivano Lucio Fontana, l’avanguardia artistica del dopoguerra a Milano. Erano soliti usare il Bar Jamaica come luogo di ritrovo: tra di loro, Piero Manzoni, Gianni Colombo, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Turi Simeti, Nanda Vigo.

Dadamaino aderì subito al progetto di Azimuth, fondato da Manzoni e al movimento Zero di Heinz Mack, Otto Piene e Gunter Uecker. Elaborando la propria personale poetica ispirata al ribaltamento dei concetti della produzione seriale, tipica della produzione industriale dei beni di consumo, espose in Olanda, Belgio, Inghilterra, Germania, Francia, Spagna, Svizzera, ottenendo all’estero più riconoscimenti che in Italia.

Con Getulio Alviani, Bruno Munari ed Enzo Mari fu tra i fondatori di Nuova tendenza, partecipando poi a numerose rassegne internazionali. Le sue ricerche si svilupparono nella composizione di un alfabeto visivo di sedici segni, da lei chiamato alfabeto della mente.

Femminista e militante nei movimenti di contestazione emersi nel 1968, Insieme a Luciano Fabro, Jole De Sanna e Hidetoshi Nagasawa sostenne il progetto della Casa degli artisti di Milano, partecipando alle sue manifestazioni per l’arte. Fu invitata due volte a mostrare le proprie ricerche con due sale personali alla Biennale di Venezia dove espose nel 1980 I fatti della vita e nel 1990 Il movimento delle cose.

Rogatica (Bosnia Erzegovina) 1943

Foto: su gentile concessione Safet Zec

Nasce nel 1943 a Rogatica , in Bosnia Erzegovina. Studia alla Scuola di Arti Applicate di Sarajevo, in seguito All’ Accademia di Belle Arti di Belgrado dove si diploma e continua gli studi di perfezionamento post diploma .

Nel 1972 Safet Zec è il maggiore esponente del movimento artistico che porta il nome di “Realismo Poetico” di cui ne diventa la figura centrale.

Nei primi anni 90′ è uno degli artisti più importanti del suo paese.

Nel 1992 , a causa della guerra che colpisce la ex Jugoslavia , è costretto ad abbandonare il proprio Paese e arriva in Italia prima a Udine e poi a Venezia.

Nel 1996 , vince a Lubiana il Gran Premio Alpe Adria per il disegno. Sono numerose le mostre personali e le partecipazioni ad esposizioni in Italia ,Europa e negli Stati Uniti. Dalla fine del conflitto nei paesi dell’ ex Jugoslavia , Zec riprende la frequentazione con la sua terra .

Lo Studio Collezione – Zec, nel cuore di Sarajevo , è stato riaperto ed è diventato un Centro di Iniziative Culturali, oltre che sede espositiva delle sue opere. Tra i più recenti e significativi riconoscimenti dell’artista :

-2002- Premio Leonardo Sciascia per l’Incisione.

-2005- Premio Umanistico “Linus Pauling” conferito dall’ International League of Humanists.

-2007- Titolo di “Chevalier de l’ Ordre des Arts et des Lettres ” conferito dal Ministero della Cultura della Repubblica Francese.

-2014- Deposizione nella Cappella della Passione Chiesa del Gesù, Roma.

– Recenti Mostre :

-2010- “Il Potere della Pittura “, personale antologica al Museo Correr, Venezia.

-2012- “Capolavori senza Tempo”, importante personale alla Rotonda di via Besana a Milano.

-2013- “L’opera Incisa” , retrospettiva di disegni e incisioni alla Villa Manin di Passariano (Udine). Vasta è la bibliografia critica a lui dedicata.

Cervignano del Friuli 1924 - Palmanova 2015

Foto e Testi fonte Wikipedia

Giuseppe Zigaina è uno dei più importanti e significativi pittori italiani del Novecento.

Nel 1934 entra nel collegio di Tolmino (dal 1945: Tolmin, Slovenia) e vi rimane fino all’8 settembre 1943. Fondamentale per lui l’incontro 1946 con Pasolini con cui stabilisce profondi legami sia umani che artistici destinati a sopravvivere alla morte del poeta.

1949 espone a Roma alla Galleria d’Arte Moderna. Nello stesso anno realizza tredici disegni per una raccolta di poesie dell’amico Pier Paolo Pasolini intitolato Dov’è la mia Patria edita dall’Academiuta de Lenga Furlana di Casarsa della Delizia, il paese natale della madre del poeta, in Friuli, presso Pordenone.1953 Dirige il lungometraggio 1953: primo maggio a Cervignano, diffuso dalla RAI TV.

1957 Pasolini scrive per l’amico Zigaina il poemetto Quadri friulani contenuto nel volume Le ceneri di Gramsci.

1958 per la casa editrice tedesca Volk und Welt esegue cinquantadue disegni per Pisana oder Bekenntnisse eines Achtzigjahringen, traduzione tedesca delle Confessioni di un ottuagenario di Ippolito Nievo.

1962 Viene invitato a far parte della Società Europea di Cultura e dell’Accademia San Luca di Roma.

1968 Collabora al film Teorema di Pier Paolo Pasolini.

1971 Pasolini gli affida la parte del frate santo nel Decameron.

1984 Inizia un periodo di insegnamento all’Art Institute di San Francisco e presenta ufficialmente alla Berkeley University la sua teoria rivoluzionaria sulla morte/linguaggio di Pasolini.

1987 Esce il primo libro su Pier Paolo Pasolini, Pasolini e la morte. Mito, alchimia e semantica del “nulla lucente”, Venezia, Marsilio.

1992 Per il centro Andaluz del Teatro di Siviglia realizza la supervisione alla regia di Orgia dell’amico Pasolini.

1995 La casa editrice Electa gli dedica una monografia in due volumi dedicata alla pittura e all’opra incisoria curata da Marco Goldin. Marsilio editore gli pubblica Hostia. Trilogia della morte di Pier Paolo Pasolini e quattordici racconti autobiografici intitolati Verso la laguna.

1999 Marsilio pubblica il pamphlet Pasolini: Un’idea di stile: uno stilo.

2000 Esce Temi e treni di Pier Paolo Pasolini. Un giallo puramente intellettuale. Editore La Scaletta.

2001 Udine, le edizioni del Tavolo Rosso pubblicano un libro d’arte in cinquanta esemplari Giuseppe Zigaina per Friederike Mayrocker con tre acqueforti per ciascuno dei tre autori.
Si deve a Zigaina la supervisione alla regia di Orgia per il Centro Andaluz del teatro di Siviglia.

Zigaina è stato accolto nella Bayerische Akademie der Schönen Künster di Monaco per il suo lavoro di ricerca su Pier Paolo Pasolini, oltre che per la sua attività di pittore.

Fonte: Wikipedia

Venezia 1927 - Tarcento 1984

Foto: su gentile concessione archivio famiglia Lucatello

Inizia la sua attività artistica con il disegno. Virgilio Guidi gli assegna il primo premio al termine di un corso alla scuola libera del nudo presso l’Accademia di Belle Arti diVenezia. Entra nella corrente del neorealismo, sponsorizzato dal Partito Comunista, che allora era al centro di una vivacissima polemica che lo contrapponeva alla corrente astrattista. Albino Lucatello, uno dei giovani artisti veneziani più dotati, arriva quando il Fronte nuovo delle arti sta esaurendo la sua carica propulsiva. Disegna volti di mondine e delle alluvionate del Polesine, operai che riposano, vecchi e soprattutto i carbonai che incontra all’osteria del Bottegon quando, finito il lavoro, vanno a bere il bicchiere di vino. Nel 1952 un suo disegno viene premiato all’Opera Bevilacqua La Masa di Venezia. Ma lui è soprattutto pittore. Il Comune di Venezia gli assegna uno studio a Palazzo Carminati, che conserverà per oltre dieci anni. Dall’ultimo piano da dove gode lo splendido paesaggio dei tetti veneziani dipinge una lunga serie di tetti (quasi sempre su faesite e con colori fabbricati da sé) molto apprezzati dalla critica[1] e che gli valgono il Premio Tursi alla 28ª Biennale di Venezia nel 1956.

In quel periodo inizia la sua stretta collaborazione con la Esther Robles Gallery di Los Angeles. Quando comincia ad affermarsi con i tetti sente il bisogno di cambiare. Dopo una visita al Polesine alluvionato dipinge i ‘Delta’, che saranno molto importanti per la sua maturazione artistica. Si trasferisce per alcuni mesi in un’isola della laguna e nascono gli ‘Orti a Portosecco’ e le ‘Terre’. Questo amore per la terra è intenso e ricompare periodicamente durante la sua attività. Intanto i suoi rapporti con la critica e le istituzioni veneziane si fanno sempre più tesi, si ribella all’ipocrisia latente, non riesce ad adattarsi alle regole tacite della connivenza e si esprime sempre più crudamente. È un divorzio fatto di odio-amore e se ne va conservando pochissimi amici.

Nel 1961 comincia a insegnare all’Istituto d’Arte di Udine e l’anno seguente si trasferisce con la numerosa famiglia, moglie e cinque figli, a Tarcento, un paese in collina contornato dalle montagne. Dopo Venezia l’impatto è forte, non ha più punti di riferimento. Ricomincia a disegnare e dipinge i primi timidi paesaggi. Girando con il motorino (farà la patente solo a cinquant’anni) scopre il Tagliamento: il fiume e la terra, soprattutto la terra che è una costante della sua pittura. Riprendono i periodi: i ‘Tagliamenti’, le ‘Terre’, i ‘Soli’, i ‘Momenti di Natura’, le ‘Nature del Friuli’, la ‘Dialettica uomo natura’. Dicono, e scrivono,[2] che è un ‘astratto concreto’ o uno ‘spazialista’. Ma lui nega con insofferenza. Si considera ancora il realista che è sempre stato. Diceva: «guardate il dettaglio della terra di un bosco, o della trama di un albero, o della rena di un fiume – e vedrete la realtà come la vedo io, altro che astrattista».[3] Nel 1974 il Comune di Vendoglio, gli affitta una vecchia scuola elementare in disuso e lui ne fa il più grande studio della sua vita. È qui che nascono gli ‘ostacoli’, che intercetta nei pali che sostengono le viti in collina e che diventano barriere che intralciano il cammino dell’uomo. Nel 1976 il terremoto gli porta via tutto e lo manda profugo a Grado. Per un anno non dipinge. Come sempre nei momenti difficili si rifugia nel disegno e va a ritrarre le ‘vecchie terremotate’. Solo nel 1978 tornerà ad avere due piccoli studi (a Treppo Grande e a Brazzacco) dove esplode una felicità inventiva nei soliti temi che raggiungono punte intense nell’equilibrio dello spazio. Infine arrivano i Musi, la catena montuosa che circonda Tarcento. Ancora dettagli – della roccia che cambia con il continuo mutare della luce – un discorso che doveva continuare, interrotto dalla morte, nel 1984, dopo una brevissima malattia. Negli anni non era migliorato il suo rapporto con i critici e le istituzioni, perché non riusciva a mascherare la sua natura impetuosa e la franchezza quasi brutale.

Nel 1986 il Comune di Venezia dedica ad Albino Lucatello una grande antologica all’Opera Bevilacqua La Masa. Due anni dopo anche il Comune di Udine gli dedica una retrospettiva nella Galleria d’Arte Moderna. Nel 2004 la Regione Friuli-Venezia Giulia e il Comune di Tarcento organizzano la grande mostra realizzata a Villa Moretti. Sue opere sono esposte al Museo d’Arte Moderna Ca’ Pesaro di Venezia, al Contemporary Arts Museum di Houston, al Museo d’Arte Moderna di Zagabria e al Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Udine.

Fonte: Wikipedia

L’arte tra idillio e intimità

di Simone Furlani

Difficile dire qualcosa di più e di nuovo sulla poetica di Renzo Codognotto rispetto a quanto è stato già notato. I tratti stilistici (l’utilizzo della luce, del colore, la reinvenzione di precisi schemi figurativi), i riferimenti alla storia dell’arte (le bagnanti di Cezanne, più che le sirene di Arnold Böcklin, gli oggetti di Morandi o di Guidi, più che le nature morte di De Pisis), la sua collocazione all’interno dell’arte contemporanea (una sintesi inconfondibile di contenuti diversi, dal realismo all’onirico, con forme e atmosfere della pittura tonale e del chiarismo)1. È un’estetica solidissima e immediatamente riconoscibile. E allora, presentando queste marine, mi pare sia utile soffermarsi su ciò che viene prima e su ciò che viene dopo, sul momento della visione e sul momento della fruizione, sul vedere dell’autore e sugli effetti che, poi, la sua opera suscita nell’osservatore. Perché l’arte di Codognotto è innanzitutto l’esito di un’idea, di un modo di vedere e di pensare, di una forma di meditazione che poi, sul versante dell’osservatore, pretende molto: pretende attenzione, cautela, concentrazione, pretende lo stesso lavoro concettuale che l’autore ha svolto prima di avvicinarsi al cavalletto e di affrontare la tela. La ricerca del punto di vista è un processo lungo e complesso. È un processo di lento e graduale avvicinamento all’oggetto, alla scena da dipingere. Si tratti del canale della Giudecca o del lido di Bibione, delle conchiglie sulla sabbia o di un tramonto accanto al faro, Codognotto sceglie con accuratezza la propria posizione, il punto esatto in cui collocarsi per osservare. È un esercizio quasi meditativo. Ma è decisivo trovare il profilo giusto, lo sguardo esatto, perché è in gioco la maggior vicinanza possibile a un reale che, in verità, rimane distante, separato, sfugge. Codognotto vuole cogliere il punto esatto in cui la realtà e il vedere si toccano, il punto, quasi miracoloso, di reciproca rifrazione che consente di vedere davvero. È un punto di differenza infinitesimale, una “piccola commozione”2 , un’obliquità pressoché impercettibile, che illumina e muove quanto raffigurato. E anche quando il suo sguardo sembra disporsi perfettamente di fronte e a pochi passi dalla scena, in verità qualche cosa all’orizzonte flette, vietando un’ortogonalità assoluta. Sempre, qualche cosa all’interno della scena disturba lo sguardo, lo tocca appena, lo smuove da una banale perpendicolarità: il tetto di una capanna, una vela o, per lo più, l’orizzonte, ai lati, s’incurvano.

È da questo punto di rifrazione che le marine di Codognotto si illuminano e prendono vita. È come un riverbero, come se sui suoi dipinti restasse traccia di una vibrazione che ha appena attraversato la tela, i tratti, le figure. Non riguarda solo la luce, ma anche gli stipiti, le barche, ombrelloni e lettini. Le sue marine prendono vita, ma senza diventare rumorose, senza smarrire la pace e la serenità indispensabili per raggiungere quel punto di vista. Lo stesso impegno è richiesto al fruitore, all’osservatore, a ognuno di noi quando guarda i suoi dipinti. Il coinvolgimento dell’osservatore è graduale. Dapprima uno sguardo immediato che rischia di fermarsi all’esterno, di restare fuori dal dipinto. Poi però, subito dopo, lo sguardo è catturato dalle linee, dai tratti, dal segno. È una rete di segni che crea uno spazio interno alla scena, nel quale, dopo aver oscillato e quasi misurato profondità e distanze, lo sguardo viene accolto e trova pace. La pace delle marine di Codognotto è la pace che lo sguardo conquista non immediatamente, ma solo dopo aver fatto fatica, solo dopo aver effettivamente osservato. L’esito è l’idillio, un lirismo elegiaco3 , memoria e nostalgia4 , una “malinconia onirica quasi alla Hoffmannstahl”5 , certo, ma non solo. Credo che l’effetto più ricercato, la sensazione decisiva voluta e infine ottenuta da Codognotto, soprattutto nelle sue marine, sia quella dell’intimità. In Codognotto l’intimità diventa esperienza estetica. Non un’intimità sovraccarica di significati psicanalitici, ma un’intimità semplice, serena, una condivisione disinteressata, rafforzata da una quotidianità altrettanto serena, una mattina di riposo in spiaggia. A metà mattina, sulla spiaggia, sotto il sole, due amiche, forse due sorelle, parlano, si raccontano un’intera settimana. L’osservatore non prova curiosità, non si sente indiscreto. L’intimità tra i personaggi ritratti o tra gli elementi del paesaggio è talmente disinteressata che l’osservatore si ritrova a condividerla all’interno della scena sicuro di non disturbare. È la confidenza del vivere quotidiano, che richiama un ideale artistico tutt’altro che utopico, tutt’altro che irraggiungibile. Codognotto non pensa l’arte come “evento”6, ma come consuetudine di vita.

Biografia

Renzo Codognotto nasce nel 1938 a Cesarolo di San Michele al Tagliamento (Venezia). Compie gli studi
artistici presso la “Scuola d’Arte Musiva” di Spilimbergo dove si diploma nel 1956. I suoi primi dipinti
risalgono proprio a quegli anni e riguardano temi naturalistici. In linea con gran parte della tendenza
dell’arte italiana di allora. Negli anni Sessanta approfondisce le sue conoscenze artistiche attraverso una
serie di viaggi. Dapprima in Italia, Venezia, Firenze e Roma dove studia i grandi maestri della pittura con
particolare attenzione al Novecento italiano e poi in Germania e a Parigi dove si confronta con le grandi
correnti dell’arte contemporanea. Alla fine degli anni Sessanta si stabilisce definitivamente a Codroipo
(Udine) dove ad oggi risiede e lavora. Qui si concretizza la scelta di dedicarsi completamente alla pittura
e si delinea in lui un’impronta di pura matrice chiarista. Frequenta il centro Friulano Arti Plastiche di
Udine e la Galleria del Ventaglio. La sua pittura dalla rappresentazione di paesaggi e campagne
inizialmente dai toni scuri si arricchisce di nuovi temi: le marine nelle quali fanno da protagonista spiagge
assolate e lagune silenziose;nature morte con conchiglie e bagnanti a cui si alternano le vedute di Venezia;
il canale della Giudecca, la regata storica da lui tanto amata e le campagne friulane nel variare delle
stagioni. Il colore diventa sempre più chiaro con toni pastello. Nel 1969 partecipa a numerosi concorsi e
rassegne d’arte in tutta Italia ottenendo numerosi consensi, premi e riconoscimenti da istituzioni
pubbliche e private.
Si succedono negli anni Settanta con ritmo incalzante le personali, alla Galleria d’Arte La Roggia di
Pordenone, alla galleria Il ventaglio di Udine, alla Galleria San Vidal di Venezia dove viene notato dallo
storico dell’arte Guido Perocco allora direttore di Ca’Pesaro che lo invita alla Triveneta delle Arti con
dieci opere. Nel 1977 è presente anche alla Mostra Lombardo Veneta allestita dalla Galleria Ponte Rosso
di Milano. Nello stesso anno tiene una personale alla Galleria d’Arte Plurima di Portogruaro (Venezia) e
nel 1979 alla Galleria Sant’Angelo di Venezia. Negli anni Ottanta si dedica alla pittura ritraendo con
maggior intensità le spiagge dell’Adriatico della Romagna, delle Marche, degli Abruzzi.
Nel 1980 espone alla Galleria d’Arte del Palazzo della Loggia a Motta di Livenza (Treviso) nel 1981 alla
Galleria d’Arte del Ventaglio di Udine.
Nel 1983 tiene una personale alla Galleria d’Arte La Cella di Carpenedo (Venezia).
L’amore per la pittura e il desiderio di crescere lo spingono a ricercare nuovi stimoli. Negli anni Novanta
prosegue e perfeziona l’attività incisoria già influenzata dal grande Maestro Giovanni Barbisan con cui
avrà modo di scambiare preziosi consigli. Nel 1991 è presente con la mostra personale alla ex chiesa di
San Gregorio di Sacile (Pordenone). Nel 1993 espone alla Società di Mutuo soccorso e di Istruzione di
Palazzo Gregoris a Pordenone. Nel dicembre 1994 viene invitato da Maramotti direttore artistico del
Teatro San Babila di Milano ad allestire una personale nel ridotto del teatro. Nel 1995 è nelle sale della
Banca Antoniana a Codroipo (Udine) per una mostra antologica.
Il frutto dei momenti carichi di passione e slancio artistico vissuti a Parigi vengono presentati con ottanta
dipinti alla mostra “La mia Parigi” tenutasi a Udine nel 1997 presso il Centro Friulano Arti Plastiche.
Mostra per la quale ricevette una lettera dall’allora sindaco di Parigi Jean Tiberi. Nel 1998 espone al
Centro Espositivo e Stamperia d’Arte Il Torchio a Roma. L’antica abbazia di Sesto al Reghena ospita nel
1999 una sua mostra personale dal titolo “Adriatico, figure, marine, suggestioni storiche”. Nel 2000
omaggia il Giubileo Alla Galleria d’Arte Adriana di San Vito al Tagliamento con una personale. Nel 2001
espone alla Banca d’Austria di Villach, nel 2002 alla Galleria d’Arte Santo Stefano di Venezia. Nel 2002
tiene una personale dedicata ai Maestri del Novecento alla Fidesarte di Pieve di Cadore, nel 2003 alla
Galleria d’Arte La Piazzetta di Udine, nel 2004 nuovamente alla Galleria Santo Stefano di Venezia nel
2007 alla chiesa di San Lorenzo a San Vito al Tagliamento e alla Fiera di San. Andrea a Portogruaro in
occasione della quale realizza 30 piatti in ceramica.
Nel 2009 espone all’Antico Foledor Boschetti della Torre di Manzano (Udine) per la rassegna Venti
d’Arte dal Friuli a Venezia. Nel 2010 è a Portogruaro (Venezia) con Arte al Marconi e una collettiva a
Palazzo de Nordis a Cividale del Friuli (Udine) per la rassegna I maestri del paesaggio. Nel 2011 espone
in una prestigiosa collettiva a Villa Manin di Passariano (Udine) e nuovamente a Palazzo de Nordis a
Cividale del Friuli. Nel 2012 è alla Scuola Secondaria Statale per una personale organizzata dal Comune
di Gruaro (Venezia). Nel 2013 espone a Villa Altan a Campo Molino Gaiarine (Treviso). Il binomio con
l’amico e artista goriziano Franco Dugo dà vita nel 2013 alla mostra “I cantori della bellezza” alla
Galleria d’Arte La Piazzetta di Udine.

Nel 2014 la città di Caorle gli dedica una personale dal titolo “Adriatico: figure, marine, storia”. Nel
2018 espone nel Scalone Abbaziale di Sesto al Reghena e al Museo Civico Palazzo Ricchieri di Pordenone,
nel 2019 alla Galleria civica d’Arte Moderna e Contemporanea di San Donà di Piave,
nel 2023 SPILIMBERGO ( Pn) , Chiesa di San Giovanni dei Battuti , ” Paesaggi dell anima” 04-08-2023/03-09-2023.
Le sue opere figurano in numerose collezioni private e pubbliche italiane ed estere. Per citarne alcune la
Galleria d’Arte Moderna di Udine, Collezione della Fondazione Friuli, della Regione Friuli Venezia
Giulia e della Provincia di Pordenone.

Udine 1930 - 2012

Foto: su gentile concessione archivio Lina Ciussi

Carlo Ciussi, ha esordito nel 1953 con la sua prima mostra personale.

Da allora , nelle sue tantissime esposizioni dedicate al suo lavoro che si sono susseguite, ha sempre rafforzato una particolare vitalità creativa e un’ illimitata energia espressiva.

Frequenta il liceo artistico a Venezia traendo particolare beneficio dall’insegnamento da De Luigi sui valori formali e cromatici e da Maioli per il disegno.

Sarà la Biennale d’arte Veneziana del 1948, che aveva dedicato una sala a Picasso e una retrospettiva a Gino Rossi a colpire e ad impressionare in modo particolare Ciussi. Nel 1964, su invito di Afro Basaldella, partecipa alla sua prima Biennale Veneziana.

Negli anni a seguire ha continuato ininterrottamente a svolgere un lavoro di ricerca ,nelle varie tecniche sia pittoriche che scultoree in modi sempre intensi ed espressivi.